Путеводитель по Русскому музею (Михайловский дворец)
Сегодня мы с вами отправляемся на экскурсию по Русскому музею, где хранится крупнейшее в мире собрание российского искусства. Музейная коллекция насчитывает более 400 000 единиц.
На нашей экскурсии мы проследим, как меняется русская живопись от Древней Руси до конца XIX века. Наш маршрут включает самые важные залы и экспонаты музея. Мы увидим работы Ильи Репина, Виктора Васнецова, Ивана Шишкина, Карла Брюллова и многих других.
Что стоит знать перед посещением?
Исторические полотна второй половины XIX века (19)
Что стоит знать перед посещением?
Русский музей работает ежедневно, кроме вторника. 1 января и 9 мая — выходные. Санитарные дни и неожиданные закрытия — большая редкость, но на всякий случай перед посещением загляните на сайт музея и проверьте режим работы.
Понедельник: 10:00 – 20:00
Среда, пятница, суббота, воскресение: 10:00 – 18:00
Четверг: 13:00 – 21:00
Кассы закрываются на полчаса раньше.
Карантинные меры
Обратите внимание, что билеты в музей необходимо приобрести онлайн. Вы получите номер своего билета на почту. С этим номером необходимо обратиться в кассу музея, где вам дадут сам билет.
Также из-за пандемии COVID-19 по музею можно перемещаться строго по маршруту. И, конечно, не забывайте маски и перчатки! Без них в музей вас не пустят.
Как попасть в музей
Итак, вы на площади Искусств. Чтобы попасть в Русский музей, пройдите за ограду Михайловского дворца, сразу поверните направо и идите до самой стены, потом поверните налево. Вы упретесь в дверь. Это и есть вход в Русский музей.
Сразу после входа в музей вам придется пройти контроль. Обратите внимание, что у вас заберут воду и ножи в целях безопасности, поэтому лучше оставьте их дома. Далее вам нужно будет пройти к кассам, где вы получите свои билеты, и в гардероб, где сможете оставить верхнюю одежду. Также здесь можно воспользоваться туалетом и выпить кофе из автомата. Буфет, к сожалению, закрыт из-за пандемии.
О маршруте
Итак, вы поднялись с цокольного этажа на первый и оказались у подножия парадной лестницы Михайловского дворца. Здесь мы и начнем нашу экскурсию. Но для начала разберемся, что такое Русский музей и как он устроен. Современный Русский музей — это большой музейный комплекс. Сейчас он занимает 5 зданий: Михайловский дворец с выставочным корпусом Бенуа, Михайловский замок, Мраморный и Строгановский дворцы, Летний дворец Петра I. Мы находимся в главном здании Русского музея — Михайловском дворце. Здесь выставлено русское искусство от Древней Руси до конца XIX века. Именно здесь находятся работы Карла Брюллова и Ивана Айвазовского, Ивана Шишкина и Виктора Васнецова, Ильи Репина и Василия Сурикова.
К сожалению, из-за того, что в музее действует особый режим, мы не сможем пройти по экспозиции в хронологическом порядке. На первом этаже, где нам придется начать осмотр, выставлены художники второй половины XIX века. А искусство от Древней Руси до середины XIX века находится на втором этаже. Но это не помешает нам познакомиться с экспозицией Русского музея и получить удовольствие от встречи с прекрасным.
Также, возможно, во время прохождения маршрута вы обнаружите легкие изменения в экспозиции. Это связано с политикой Русского музея: многие картины часто путешествуют по временным выставкам. На этот период они исчезают из экспозиции и на их место вешают другие картины.
К сожалению, сейчас нам не удастся рассмотреть парадную лестницу: вначале придется осмотреть первый этаж, но мы обязательно вернемся сюда и поговорим о ней подробнее.
В.Г. Перов (18)
Зал, который открывает экспозицию первого этажа, посвящен Перову — крупнейшему мастеру критического направления второй половины XIX века.
Давайте немного вспомним историю, чтобы понять, в какое время жил и творил Перов. Вторая половина XIX века — сложное время для России и для всего мира. Мир меняется. Появляется паровой двигатель и фотография. Происходят и активные социальные изменения. В России еще свежи воспоминания о восстании декабристов. Появляются народники и другие революционные организации. Все больше людей обращаются к общественным проблемам: нищета, рабство, высокое социальное неравенство и т.д. Со школьной скамьи вы знакомы с романами Достоевского, в творчестве которого отразилась общественная атмосфера второй половины XIX века. К схожим темам обращались и художники. Например, Василий Перов.
Он считал, что искусство должно служить во благо общества. Должно отражать пороки, выносить приговор негативным сторонам жизни. Рассмотрим картину «Монастырская трапеза» (2), чтобы лучше разобраться в этой идее:
Это яркий образец критического реализма в русском искусстве конца 1870-х годов. Она была воспринята современниками как обличительный документ эпохи. Сюжет основан на лицемерии монашества. Сытые, холеные священнослужители сидят за накрытым столом. У их ног — нищие, которые просят милостыню. У стола стоит тучная барыня в сиреневом платье, которая с презрением отворачивается от бедной женщины, протянувшей к ней руку. Картина обличает сразу целый букет человеческих пороков: гордыня, корысть, чревоугодие.
Перов обращается к самым больным темам своего времени: социальное неравенство, нищета, несправедливость и равнодушие. Он с любовью пишет обездоленных детей (3) и каторжников (1). Его картины проникнуты сочувствием и жалостью к героям. Но в то же время пафос его работ — обличительный. Он хочет показать современникам то, что они не замечают, обратить внимание на социальные проблемы.
Творчество Перова отражает новый этап в развитии русской живописи XIX века. Художники все чаще пишут на схожие темы. Все чаще становятся участниками общественной дискуссии. Мы увидим эту тенденцию и дальше.
Исторические полотна середины XIX века (21)
Пройдем следующий зал насквозь и окажемся в зале, посвященном пейзажной живописи Федора Васильева. Пройдем насквозь и его и окажемся в зале, посвященном исторической живописи второй половины XIX века. Исторический жанр в академическом искусстве наряду с портретным считался «высоким», или «наиболее достойным», в отличие от низких жанров (например, натюрморта или пейзажа). Академия художеств, Альма-матер многих российских творцов, всячески поощряла художников, писавших в этом жанре.
Строгая композиция и статичность — характерные черты такой живописи. Картины чаще всего писали на исторические или мифологические темы, особенно любили, конечно, Античность. Обратите внимание — в этом зале представлены картины именно на античные сюжеты.
Обратимся к полотну «Смерть Нерона» (1) В.С. Смирнова. Оно выделяется в зале необычным цветовым решением.
Нерон — римский император, прославившийся многочисленными преступлениями. Народ восстал против Нерона и, чтобы не быть захваченным в плен, император вонзил себе меч в горло. От осквернения его тело спасают три женщины: его наложница и кормилицы. Они сожгли его тело и похоронили пепел.
На картине как раз и изображены эти женщины рядом с телом Нерона. При внешней строгости и статичности композиции, в картине ощутимо необыкновенное внутреннее напряжение. Достигается это, в том числе, за счет цвета. Красный и его оттенки усиливают настроение и тревоги, и торжественности.
И.Н. Крамской (23)
Пропустим еще один зал и сразу пройдем дальше, в зал И.Н. Крамского, бунтаря от живописи, который изменил русское искусство XIX века.
1863 год. Академия художеств готовится праздновать свое столетие. Среди выпускников объявлен конкурс. Приз — Золотая медаль Академии и поездка на учебу за границу, в Италию. Как обычно, в таких ситуациях Совет Академии предлагает конкурсантам тему «Скандинавская мифология». Но в этот раз конкурс заканчивается скандалом. 14 лучших выпускников отказываются писать на предложенную тему и требуют у Совета дать им свободу в выборе сюжета для картин. Совет отказывает. Тогда 14 выпускников покидают Академию и основывают первую частную артель художников. Эти события получили название «Бунт четырнадцати». Зачинщик и идейный вдохновитель — молодой и талантливый Иван Крамской. Позже он станет одним из основателей сообщества передвижников. Он же будет учителем Ильи Репина. Он писал о Крамском: «Вот так учитель! Его приговоры и похвалы были очень вески и производили неотразимое действие на учеников».
Иван Крамской — один из главных реформаторов в искусстве XIX века, идеолог целого поколения художников-реалистов. Тонкий мастер, который с помощью небольших деталей мог рассказать целую историю о своих героях.
Взглянем, например, на полотно «Неутешное горе» (2), эскиз к картине, которая сейчас находится в Третьяковской Галерее. На холсте изображена женщина. Она одета в простое черное платье. Сидит в углу простой комнаты, интерьер которой мы почти не видим. Она не плачет и не кричит, мы не видим вокруг нее никаких символов, но понимаем, что ей очень плохо. Как Крамской создает у нас это ощущение? Мы видим ее пустой взгляд, обмякшую позу, руку, которой она нервно сжимает платок. Все очень просто, но за этой простотой — огромное горе и мы считываем его по мельчайшим деталям.
Но больше всего Иван Крамской прославился своими портретами. Современники считали его лучшим портретистом своего времени. Давайте поближе рассмотрим его портрет И.И. Шишкина (1) и попробуем понять, в чем уникальность портретов художника.
Перед нами мощный, широкоплечий мужчина. Он одет в черное. Обратите внимание, на картине мало цветов. Живопись портрета построена на контрастном сочетании светлого нейтрального фона и темной фигуры. Поэтому наше внимание сразу приковывает к себе лицо главного героя. Обратите внимание, как тонко и как детально оно прописано. Крамской уделял мимике пристальное внимание. Через малейшие движения лица, полуулыбку, выражения глаз он старался передать внутреннее состояние героя.
А.К. Саврасов (24)
Следующий зал посвящен лирическому пейзажу второй половины XIX века и его основоположнику — Алексею Кондратьевичу Саврасову. Он, как и Крамской, один из основателей сообщества передвижников. Его творчество перевернуло русскую пейзажную живопись. Его работа «Грачи прилетели» (1871) стала своего рода символом русского реалистического пейзажа. Чтобы посмотреть на «Грачи прилетели», нужно отправиться в Третьяковскую галерею, но и в Русском музее тоже хорошая коллекция Саврасова, которая позволяет познакомиться с его творчеством.
В зале вы видите несколько пейзажей художника. Все они об обычной русской природе, которую вы, наверняка, не раз видели. Очарование этих полотен заключается в тонко и поэтично раскрытом внутреннем состоянии природы. Саврасову удалось показать переходные моменты жизни, красоту неуловимого мгновения. Давайте взглянем на одно из его полотен «Степь днем» (1). Это картина о знойной украинской степи, освященной палящим солнцем.
Практически безоблачное небо, две куропатки пытаются найти тень в пожелтевшей траве. Желтоватая теплая гамма, плавные цветовые переходы неба, погружающиеся в золотые просторы бескрайней степи — Саврасов мастерски передает мгновение.
Саврасов пытается найти прекрасное в обыденности и перенести его на холст, не нарушая правды жизни. Он пишет русскую природу средней полосы, в окружении которой живет обычный человек: широкие плодородные поля с бедными деревеньками, холмы, равнины и леса. Он населял свои картины фигурами крестьян и рыбаков, окруженных предметами повседневного быта. Но в то же время по-романтически любовался пейзажами. Он смешивал реализм и романтизм, создавая новую живопись, которой раньше не видело русское искусство.
В.В. Верещагин (25)
Переходим в следующий зал. Здесь нас встречает знаменитый художник-баталист Василий Васильевич Верещагин. Этот человек оказал огромное влияние не только на русскую, но и на мировую батальную живопись. Он много путешествовал по миру и лично участвовал в войнах. Поэтому на его картинах мы видим не только Россию, но и другие страны. Василий Верещагин погиб у Порт-Артура во время Русско-японской войны при взрыве броненосца «Петропавловск». Он был номинирован на первую Нобелевскую премию мира за свои картины Испано-американской войны 1898-1899 гг.
В экспозиции Русского музея, к сожалению, не представлено непосредственно батальной живописи Верещагина. Зато представлены работы из его заграничных поездок. Например, его картина «У дверей мечети» (1) принадлежит к так называемой Туркестанской серии. Она написана Верещагиным под впечатлением от путешествия по Средней Азии в конце 1860-х годов. Она рассказывает об упадке некогда могущественной восточной империи. Два нищих остановились у дверей знаменитой мусульманской святыни, мечети Газрет-Ясави.
Эта картина рассказывает о когда-то великой Восточной империи и о том, как империи приходят в упадок. Эти два нищих мальчика — символ павшей империи, когда-то державшей в страхе всю Европу.
На противоположной стене — картина, написанная после поездки Василия Верещагина в Палестину: «В Иерусалиме. Царские гробницы» (2). Художника поразили монументальные циклопические сооружения Древнего Востока и он запечатлел их на своих полотнах. Эффектная игра больших масс света и тени, теплых и холодных тонов усиливают таинственность молчаливой ритуальной процессии женщин в белых одеяниях, которые выполняют древний обряд. В картине проявляется важнейшая особенность верещагинских полотен – «хоровое начало». «Хор» картины В. Верещагина – это люди, сплоченные общей судьбой, религией, миропониманием. И это позволяет художнику создать в картинах мир тихий, цельный и понятный.
Н.Н. Ге (26)
Следующий зал посвящен Николаю Ге — художнику-реалисту второй половины XIX века. Творческий путь Ге не был прост: долгие годы художник учился на математика, а потом пошел против воли отца и поступил в Академию художеств.
Он тоже стал одним из основателей товарищества передвижных выставок. Для первой выставки он написал картину, которая находится на экспозиции Русского музея: Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе (1).
Эта картина посвящена известным событиям в русской истории. Алексей Петрович, старший сын Петра I, должен был наследовать престол после смерти отца. Но Петр думал о том, чтобы лишить его наследства. Алексей сбежал за границу. Он рассчитывал заручиться поддержкой европейских правителей и забрать престол у Петра силой. Однако его планы не удались и он был вынужден вернуться в Россию. В Петербурге он был осужден на смертную казнь, но еще до того, как приговор привели в исполнение, он скончался в тюремной камере Петропавловской крепости.
На картине мы видим встречу отца и сына в Петергофе. Допрос царевича завершен. Смертельный приговор вынесен. Алексей склонил голову, опустил руки. Петр смотрит на него с ненавистью. Он победил в себе отца, отправляющего собственного сына на эшафот. Он — государь, приговоривший преступника к казни.
И.И. Шишкин (27)
Следующий зал рассказывает о творчестве одного из величайших русских пейзажистов — Ивана Шишкина. Шишкин отлично знал русскую природу и очень любил ее. Поэтому его работы стали олицетворением торжества национальной темы в русском искусстве.
Центральная картина зала — «Корабельная роща» (1) — настоящий шедевр Шишкина. Художник создает эпический образ могучего леса и просторов родной земли. Могучие, почти монументальные деревья растут на берегу речки. Они настолько велики, что не умещаются в картину: художник сознательно срезает кроны, чтобы мы почувствовали их громадные размеры. Стволы деревьев ритмично уходят в глубину картины: как огромен этот лес! Эта картина не просто о природе. Это картина о России. О ее народе, который связывает с живительной силой природы свое счастье и благополучие.
В.М. Васнецов (28)
Следующий зал посвящен Виктору Васнецову, который стал родоначальником нового направления в русском искусстве — национально романтической живописи. Он был одним из первых живописцев, кто обратился к русским былинам и сказаниям. Художник говорил, что в них он видел «весь облик народа, внутренний и внешний, с его прошлым, настоящим и будущим».
В Русском музее находится одна из самых знаменитых картин Васнецова «Витязь на распутье» (1). Она размещена на левой стене зала:
Картина — это вольная интерпретация былины «Три поездки Ильи Муромца». На картине мы видим богатыря, застывшего в раздумьях перед камнем-вещином. На нем можно прочесть слова: «Как прямо ехати – живу не бывати, нет пути ни проезжему, ни прохожему, ни пролетному…».
Картина погружает зрителя в былинную атмосферу. Цветовое решение, пейзаж, рыцарские доспехи: все это выполнено с потрясающей исторической точностью. В то же время полотно наполнено тревогой. Череп и кости, лежащие на земле у камня, вороны, валуны и уходящая вдаль дорога.
К.Е. Маковский (30)
Дальше нам придется пройти через садовый вестибюль, где проходят временные выставки. Мы окажемся в зале, где представлено творчество художников-братьев Константина и Владимира Маковских.
Константин, также как и Иван Крамской, был участником «Бунта четырнадцати» и членом-учредителем Товарищества передвижных художественных выставок. Он был одним из самых популярных российских художников в конце XIX века. Портреты у него заказывали члены императорской семьи и богатейшие дворяне.
В этом зале сразу приковывает внимание большая монументальная картина на левой стене: «Народное гулянье во время масленицы на Адмиралтейской площади в Петербурге» (1). Казалось бы, незамысловатый, бытовой сюжет — городской праздник — предстает сложным и даже величественным. Художник показывает в этом масленичном гулянье образ «всего Петербурга». Каждый персонаж на этом полотне индивидуален, обладает своей историей. Поэтому рассматривать эту картину можно часами.
Однако публика часто критиковала Константина за слишком поверхностные сюжеты. Зато на его фоне, его брат, Владимир Маковский казался очень современным. Он пишет на остросоциальные темы. Например, его полотно «Осужденный» (2) о молодом народовольце. Он покидает зал суда в сопровождении жандармов. Рядом стоят старики родители в слезах. Художник создает эту картину с явным сочувствием к главному герою.
В.Д. Поленов (32)
Пропустим один зал и попадем в зал, посвященный художнику В.Д. Поленову, одному из выдающихся художников-передвижников. Он тоже считается одним из реформаторов русского искусства. Потому что принес понимание пленэрного этюда как самостоятельного произведения. В зале сразу обращает на себя внимание большая картина «Христос и грешница» (1).
Эта картина рассказывает об известном евангельском сюжете. Христос читает проповедь у дверей величественного древнего храма. Из глубины картины толпа выводит грешницу. Она совершила грех прелюбодеяния. Поэтому толпа собирается, по ветхозаветному закону, забить ее камнями. Суровые служители старой веры поставили Христа перед нравственным выбором – нарушить древнюю заповедь или преступить закон о любви и милосердии к ближнему. «Кто из вас без греха, пусть первый бросит в нее камень.» — сказал Христос. И люди, обличаемые совестью, стали расходиться.
И.Е. Репин (33)
Следующий зал показывает раннее творчество Ильи Репина, главного художника XIX века. Ему в Русском музее посвящены целых четыре зала, которые позволяют увидеть эволюцию творчества художника. Сейчас мы находимся в зале, где представлено раннее творчество Репина: времен его учебы в Академии художеств, а потом в Париже. Здесь внимание привлекает полотно «Воскрешение дочери Иаира» (1), которое и позволило Репину уехать учиться в столицу Франции. За него художник получил большую золотую медаль в Академии художеств, звание художника первой степени и пенсионерскую поездку за границу.
Картина написана на библейский сюжет. Как мы увидим дальше, Репин редко обращается к Библии, чаще пишет о современной жизни. Но во время его учебы в Академии, ему приходится писать и на библейские темы. И, хотя по началу ему это не очень нравилось, уже в процессе работы над картиной он нашел способ показать живую, актуальную проблему в этой древней истории.
Давайте вспомним сам сюжет. Иаир пришёл к Иисусу и пал к его ногам. Он просил спасти его единственную дочь. Она умирала. Просьба о помощи прерывается ужасной вестью — «…дочь твоя умерла». Но Спаситель идёт в дом Иаира, чтобы воскресить девочку.
На картине мы видим момент, когда Христос подходит к постели уже мёртвой дочери Иаира. Левая сторона картины освещена: на столике у кровати стоит подсвечник. Темные стены, мрачная обстановка комнаты. Бледная девушка лежит на белой простыне. Рядом стоит Иисус. Лицо его спокойно, поза величественна. Он держит усопшую за руку, готовясь явить чудо воскрешения.
Правая часть картины затемнена. Но из полумрака выступают лица скорбящих родителей. Репин писал их лица, основываясь на воспоминании о личной потере — смерти родной сестры. Точно также его родители оплакивали маленькую дочку. Говорят, Репин создавал эту картину, находясь под сильнейшим впечатлением Бетховена и его «Лунной сонаты», поэтому и творение получилось таким мощным.
И.Е. Репин (34)
В следующем зале продолжается экспозиция, посвященная Илье Репину. Здесь представлены 1880-1890-е годы. И здесь мы обратимся к картине «Проводы новобранца» (1). Полотно отражает интерес художника к крестьянской жизни, который возник у него после возвращения из Парижа в Россию. Она написана под впечатлением от Русско-турецкой войны 1877-1878 гг.
Мы видим типичный крестьянский двор. В центре картины — юноша-новобранец. В новой одежде, в чистых лаптях. У него на груди плачет мать. Он немного неловко обнимает ее. Рядом с ними мы видим маленького ребенка, который утирает слезы, и собаку. Слева стоит отец, придерживая за поводья лошадь. Он тоже расстроен. Вокруг семьи собрались соседи. Они с грустью смотрят на эту интимную сцену прощания. А в глубине картины — ворота в неизведанное будущее, куда совсем скоро уйдет молодой новобранец.
Художник выбирает один из наиболее трогательных моментов войны — прощание семьи с молодым солдатом. Он уходит на войну. И ни он, ни его семья не знают наверняка вернется он или нет. Все чувства, отраженные в произведении, проявляются просто, чисто, искренне.
И.Е. Репин (35)
Следующий зал тоже рассказывает о творчестве Ильи Репина. Здесь размещены портреты и одна картина на историческую тему: «Венчание Николая II и Александры Федоровны» (1).
Николай любил Александру. Он долго добивался родительского согласия на брак. Но день свадьбы запомнился новобрачным не роскошью и праздничной атмосферой, а тем, что свадьба наложилась на похороны отца Николая II, императора Александра III.
«Церемония в церкви очень сильно напоминала ту, которая состоялась в 1884 году (свадьба сестры Александры, Елизаветы Фёдоровны, и брата Николая, великого князя Сергея Александровича) только на нашей не было наших обоих отцов — и это было просто ужасно — ни отцовского поцелуя, ни благословения. …Ты можешь вообразить себе наши чувства. Один день в глубоком трауре, оплакиваем горячо любимого человека, а на следующий день в пышных одеждах встаем под венец. Невозможно представить себе больший контраст, и все эти обстоятельства сблизили нас еще больше».
И.Е. Репин (54)
Спустимся в следующий зал и сразу направимся в последующий. Здесь размещена самая масштабная работа Репина, «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года в день столетнего юбилея со дня его учреждения». Эта картина написана по правительственному заказу и предназначалась для огромного белоколонного зала заседаний Государственного совета в Мариинском дворце. Репин писал ее с помощниками, Борисом Кустодиевым и Иваном Куликовым, целых три года. Членов совета он приглашал к себе по одному или парами, чтобы писать с натуры, а также прямо на заседаниях писал портретные этюды.
В центре — Николай II и представители императорского дома, занимавшие важнейшие посты в государстве. Справа от царя — его младший брат, Михаил, слева — дядя, великий князь Михаил Николаевич. Поблизости от царской семьи — председатель Комитета министров И.Н. Дурново, министр иностранных дел В.Н. Ламздорф и оберпрокурор Святейшего Синода К.П. Победоносцев. На портрете изображен восемьдесят один член Совета, среди них С.Ю. Витте, П.П. Семенов-Тян-Шанский и др.
Также в зале вы можете увидеть эскизы, которые делал Репин в процессе работы над картиной.
В. И. Суриков (36)
Следующий зал посвящен еще одному величайшему русскому художнику — Василию Сурикову. Здесь сразу бросается в глаза его знаменитая картина «Переход Суворова через Альпы» (1).
Полотно Саврасова посвящено походу генералиссимуса Суворова, одного из величайших русских полководцев. Россия в союзе с Австрией вела войну против Франции. Суриков выбирает один из самых драматичных фрагментов кампании — переход через хребет Паникс. Солдаты в военном восторге повинуются любому слову полководца. Они уверены в нем. Они доверили ему жизни. Сам Суворов подобен памятнику. Величественный, на белом коне он с любовью смотрит на своих солдат. Те отвечают ему счастливыми улыбками, полными благоговения. Сам Суриков объяснял замысел своей картины так: «Главное в картине — движение. Храбрость беззаветная. Покорные слову полководца, идут». Передние ряды практически падают в бездну, но не боятся.
В картине много необычного, нетипичного для искусства конца XIX века. В первую очередь бросается в глаза формат. Обычно такие сложные многофигурные композиции создавались на горизонтальных холстах. Суриков выбирает вертикальный. И это помогает ему передать динамику. Создается впечатление стремительного, лавиноподобного движения вниз.
А.И. Куинджи (38)
Следующий зал мы пропустим и сразу направимся в зал, который рассказывает о творчестве знаменитого пейзажиста — Архипа Куинджи. Он показывает пейзажи совсем не так, как это делают его современники. Предметом его живописных интересов был свет: пламенеющие закаты, блики лунного света, блеск озаренных солнцем вершин, радуга… Он изучает отражение света в воде, темные контуры пейзажей и мельчайшие переливы оттенков ночного пейзажа.
Например, взглянем на картину «Ночное». Что мы видим здесь? Темный холм и блестящая река, залитая лунным светом, уходит вдаль. На холме пасутся лошади. Они расположены в соответствии с правилами классической композиции. И именно лошади — композиционный центр картины. Большую часть полотна художник отдал небу. Это его излюбленный прием. Куинджи нравится изучать небо, его цвета и глубину. Тонкий месяц подсвечивает облака. А у горизонта небо светлеет: скоро расцветет.
Картина с удивительной точностью передает предрассветную тишину. Каждый мазок проникнут любовью к пейзажу, к краскам, к свету. Куинджи показывает, как каждый, даже самый маленький элемент пейзажа встраивается в единую гармонию Вселенной.
Картина «Ночное», считающаяся неоконченной, была написана Куинджи в последние годы его жизни. Тогда он заперся в своей мастерской и творил в одиночестве. Ее принято рассматривать как своеобразное завещание художника — его прощальное произведение.
Парадная лестница
Когда мы покинем зал Куинджи, мы снова окажемся на парадной лестнице. Теперь нам удастся внимательнее осмотреть ее.
Поднимемся на один лестничный пролет и остановимся у бюста Александру III. Прямо над ним на стене вы видите надпись: «Русский Музей императора Александра III» (1). Это первоначальное название музея. Он был учрежден по приказу Николая II в 1895 году. После революции 1917 музей, конечно, переименовали.
Михайловский дворец не всегда был музеем. Изначально он был построен для великого князя Михаила Павловича, младшего брата императоров Александра I и Николая I. Архитектор — Карл Росси. Он же спроектировал Главный Штаб и Александринский театр.
К сожалению, первоначальное убранство дворца практически не сохранилось. После того, как здание было передано музею, его интерьеры были перестроены под выставочную деятельность. Лишь два интерьера сохранились в первоначальном виде — Белый зал в центре парадной анфилады бельэтажа и Парадный вестибюль, где мы с вами находимся.
Парадный вестибюль и парадная лестница — композиционный центр Михайловского дворца. Он объединяет этажи и залы в единое целое. Поднимемся по лестнице на второй этаж и осмотрим их сверху. Интерьер зала выполнен в стиле классицизм: он походит на греческий храм. Основу композиции составляет колоннада коринфского ордера. Гладкие стены, окрашенные краской одного тона, лепнина сдержанных форм, геометризм и подчеркнутая статичность — все это отличительные черты классицизма.
На втором этаже повернем налево. Здесь начинается экспозиция музея.
Зал древнейших икон (1)
Зал, в который мы попали посвящен самым ранним образцам древнерусского искусства. Это иконы XII-XIV веков. Самая древняя икона в коллекции музея — Ангел Златые Власы (1) располагается слева от двери напротив вас.
Икона «Ангел Златые Власы» относится к XII веку. Нам неизвестен ни автор этой работы, ни точное время, когда она была написана. Она была найдена случайно в 1864 году при разборе кладовой в Московском Кремле, где были сложены старые, ненужные иконы. Долгое время считалось, что она была создана в XVII веке. Сейчас исследователем очевидно, что образ был написан почти на пять столетий раньше. К XVII веку относится только зеленый фон, которым был заменен утраченный первоначальный золотой фон.
Обратите внимание на положение головы ангела. Он смиренно склонился влево, смотрит вверх. Это связано с тем, что икона, очевидно, предназначалась для алтарной преграды и входила в состав группы икон. Слава от ангела по первоначальному замыслу должен был находиться Иисус.
Икона очень похожа на византийскую. Большие глаза, центр композиции — лицо ангела, отсутствие «лишних» деталей — характерные черты греческой иконописи. Русские иконописцы XII века активно учились у соседей, перенимали их технику и приемы. И «Икона Ангел Златые Власы» отражает эту тенденцию.
Зал Андрея Рублева (3)
Пройдем насквозь зал, посвященный иконам Пскова и Новгорода (2) и окажемся в зале Андрея Рублева — самого почитаемого мастера Древней Руси. Здесь представлены работы как самого иконописца, так и его учеников.
Обратите внимание на изображения апостолов Петра (1) и Павла (2) на стене слева от вас. Оба изображения входили в большой ансамбль — иконостас Успенского собора во Владимире. Эти иконы должны были располагаться высоко, поэтому на них почти отсутствуют детали. Зато прописаны яркие, контрастные силуэты. По сути Петр и Павел выполняют ту же композиционную функцию, что и «Ангел Златые Власы». Они должны «обрамлять» фигуру Христа. Но посмотрите, как меняется подход художника: Рублева, в отличии от автора «Ангела Златые Власы» интересует не только лицо своего героя. Он изображает весь силуэт целиком, внимательно прописывает линии, выстаивает гармонию образа.
Павел (2), по мнению исследователей, был написан самим Андреем Рублевым. Петр (1) — его учеником. Считается, что Петр уступает Павлу и в технике, и психологической выразительности.
Петровские пенсионеры (5)
Пропустим следующий зал, где представлены иконы XVII века, и окажемся в новой эпохе — в XVIII веке. Конец XVII — начало XVIII века в России — эпоха крутых перемен. Петр поворачивает Россию на Запад. На смену всеобщей религиозной идеологии приходит иная система ценностей и мышления. И живопись тоже отражает этот процесс.
Начиная с петровского времени, в русском изобразительном искусстве преобладает портрет в различных видах — от парадного до камерного. И в зале, где мы находимся, размещены только портреты. Давайте поближе взглянем на один из них — портрет Петра на смертном ложе.
Автор этого полотна, Иван Никитин, считается основателем нового европейского направления в русской живописи. Он учился в Европе, во Флоренции, а потом стал художником Петра Великого. Везде и всегда он следовал за императором с кистью и мольбертом.
В ночь смерти царя, 28 января 1725 года, Никитина срочно вызвали в Зимний, чтобы художник написал последний царский портрет. Тогда при свете свечей в кратчайший срок он написал картину «Петр на смертном ложе».
Полотно наполнено печалью и скорбью. Видно, что художник любил Петра, был близок к нему и с болью воспринял его смерть.
Полтавская баталия (7)
Пропустим еще один зал с портретами первой половины XVIII века и остановимся в следующем. Здесь, прямо в центре зала, располагается скульптурная композиция «Императрица Анна Иоанновна с арапчонком». Она показывает, как жанр портрета нашел выражение в скульптуре. Рассмотрим ее внимательнее.
Эта скульптурная композиция создана Карлом Бартоломео Растрелли, отцом знаменитого архитектора, автора Зимнего дворца. Карл Бартоломео был вызван в Петербург из Италии Петром I. Именно он изготовил конный монумент Петра I, который стоит перед Михайловским замком.
«Анну Иоанновну с арапчонком» должны были установить прямо перед Зимним дворцом. Растрелли делал ее в натуральную величину по заказу самой императрицы. Эта скульптурная композиция — редкий пример парадного портрета в скульптуре. Анна Иоанновна величава и грандиозна, но при этом мастер не скрывает своего отношения к императрице. Скульптор хорошо передает портретное сходство: современники говорили, что она «престрашной была взору, отвратное лицо имела, так велика была, что когда между кавалеров идет, всех головой выше и чрезвычайно толста». Маленький, вертлявый арапчонок, который подает императрице державу, усиливает ощущение грузности и тяжести фигуры императрицы. Она гневно смотрит куда-то вдаль.
Эта скульптура стала символом деспотичной эпохи правления Анна Иоановны. Перед Зимним дворцом ее так и не установили. Императрица умерла, а престол заняла Елизавета Петровна.
Ф.С. Рокотов (8)
Следующий зал — зал Федора Рокотова, одного из самых тонких и изысканных портретных живописцев XVIII века. Его лирические портреты привлекают своей утонченностью и загадочностью. Неповторимое чувство цвета и виртуозное владение кистью пленяли современников. Обратимся к одному из шедервов Рокотова — портрету графини Е.В. Санти (1).
Из темного фона проступает почти прозрачное, утонченное женское лицо светской красавицы второй половины XVIII века. Попробуйте описать ее выражение лица. Художник выполнил портрет так, что ее лицо кажется живым, меняется, пока зритель изучает картину. Она смотрит на нас настороженно и немного высокомерно. В глазах можно прочитать легкую грусть. При этом, она чуть улыбается и смотрит открыто и прямо. Сложность портрета дополняется и великолепно выписанными тканями: струящийся шелк и кружево кажутся настоящими.
А.П. Лосенко (9)
Следующий зал встречает нас не портретами. Здесь можно увидеть полотна в историческом жанре. Это связано с тем, что в середине XVIII века Академия художеств, по примеру европейских академий, устанавливает первенство исторического жанра над остальными. В основном, опять же, ориентируясь на западных художников, сюжеты для картин брали из истории Европы.
Особую роль в развитии исторического жанра в русском искусстве сыграл Антон Лосенко. Именно он первым стал писать о русской истории. Первым таким полотном стала картина «Владимир и Рогнеда» (1).
Сюжет этой картины был взят из «Всероссийской истории» М.В. Ломоносова. Новгородский князь Владимир (позже его назовут Красно Солнышко) посватался к полоцкой княжне Рогнеде. Она жестоко отказала ему. Тогда Владимир пошел войной на Полоцк, убил ее отца и силой взял в жены. Но на картине изображен момент раскаянья Владимира, он просит прощения у княжны за насилие. Это очень характерно для конца XVIII века: эпоха Просвещения борется против произвола «деспотичества».
Полотно очень эмоционально. Чувства героев поданы ярко, театрально. Владимир прижал руку к сердцу, моля о прощении. Рогнеда, преисполнена горем, откинулась на спинку кресла и закатила глаза.
Д.Г. Левицкий (10)
Следующий зал встречает нас изображениями Екатерины II. Мы продолжаем наше путешествие по эпохе Просвещения. Здесь осмотрим парадный портрет императрицы, который создал Дмитрий Левицкий, один из ярчайших живописцев эпохи классицизма: «Екатерина II — законодательница в храме богини Правосудия» (1).
Перед нами типичный парадный портрет эпохи классицизма. Ориентация на античность, обилие символики и аллегорий — характерные черты классицизма в живописи. На картине мы видим императрицу в платье, которое напоминает греческую тунику. За ее спиной греческий храм. В правом верхнем углу расположилась Фемида, богиня правосудия, с весами в руках. Екатерина сжигает на алтаре маковые цветы. Маки — это символ покоя. Таким образом, императрица жертвует своим покоем во благо прекрасной России. У ног императрицы — свод законов, который охраняет орел с пальмовой ветвью Мира в клюве.
Белый зал (11)
Следующий зал, в который мы с вами входим — Белый зал. Тот самый, о котором мы с вами говорили в парадном вестибюле. В этом зале сохранилось первоначальное убранство Михайловского дворца. Убранство, которое было здесь еще в середине XIX века, когда здесь жил великий князь Михаил Павлович, сын Павла I, брат Александра I и Николая I.
Зал оформлен в стиле ампир. Он разделен на три части двумя парами колонн: центральную торжественную и две симметричные малые. Этому делению подчинено и убранство интерьера.
В середине XIX веке в Белом зале регулярно проводили музыкальные вечера. Здесь побывали многие талантливые русские и европейские музыканты, певцы и композиторы. Во второй половине XIX века здесь даже открыли музыкальные классы и подготавливалось основание Русского музыкального общества, а за ним и первой в России Санкт-Петербургской консерватории.
В.Л. Боровиковский (12)
Проходим в следующий зал и вновь возвращаемся в XVIII век. Здесь мы познакомимся с искусством конца столетия. В это время в просветительской идеологии все больший акцент делается на близость человека к природе, естеству. Все еще пишут парадные портреты, но их становится все меньше и меньше. Зато популярностью начинают пользоваться семейные портреты. Любовь супругов, счастье детей, тихие домашние радости становятся важнейшей жизненной ценностью. Так, здесь вы видите портрет графини Безбородко с дочерями (1).
К.П. Брюллов (14)
Переходим в следующий зал и оказываемся в XIX веке. Самым знаменитым творением этого времени стала картина Карла Брюллова «Последний день Помпеи» (1) — романтическое воплощение трагических событий, произошедших в древнеримском городе после извержения вулкана Везувий. Для создания этой картины Брюллов тщательно собирал материал. Читал воспоминания очевидцев катастрофы, делал зарисовки предметов быта, обнаруженных археологами.
На картине изображен страшный момент. Люди бегут к морю от лавы, которая несется за ними. Кто-то тащит имущество, кто-то — своих близких. На переднем плане сыновья несут на руках старика отца, а в центре картины совсем маленький ребенок пытается спасти мать, которая упала на землю. Обратите также внимание на толпу людей слева. Там Брюллов изобразил себя в образе античного художника. Он несет над головой коробку с красками и кистями.
Ф.А. Буруни (15)
Следующий зал тоже встречает нас разнообразием полотен. Наш взгляд сразу привлекает колоссальная картина на правой стене. Это «Медный змий» (1) Федора Буруни.
Это полотно самое большое в собрании музея. Здесь изображен библейский сюжет, описанный в ветхозаветной книге «Числа».
По приказу Господа Моисей выводит из Египта сынов Израилевых, спасаясь от жестокой власти фараона. 40 лет странствуют евреи по пустыне в поисках земли обетованной. И наконец, теряют надежду. А затем и веру. В наказание за отречение бог насылает на них страшные кары. На картине Бруни как раз и изображена одна из божественных кар — дождь из ядовитых змей. Моисей в красном одеянии в центре картины. Он сотворил статую медного змия. Кто обратится к нему с мольбой и раскаяньем, тот получит прощение и исцеление. Люди на картине ведут себя по-разному. Кто-то устремился к змию с надеждой, а кто-то склонился над родными, погибшими от яда змей.
На этом наше путешествие по Русскому музею заканчивается. Пройдите насквозь еще два зала и окажетесь вновь в парадном вестибюле. Здесь можно зайти в сувенирный магазинчик. Выход расположен справа от лестницы. Так вы вернетесь на цокольный этаж, где сможете выпить кофе и забрать свою одежду в гардеробе.
А если вы хотите продолжить знакомство с русским искусством и изучить XX век, отправляйтесь в корпус Бенуа.
Вход на сайт
Регистрация на сайте
Восстановить пароль
Укажите адрес электронной почты или номер телефона, который использовался при регистрации, и мы отправим на него ссылку для восстановления пароля.